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Musique de la Renaissance

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Musique de la Renaissance est une musique européenne écrite pendant la Renaissance, entre 1400 et 1600 environ, et englobant des œuvres telles que la nouvelle pédagogie (Girolamo Diruta), les arrangements de masse (Arnold de Lantins) et les chansons pour le luth et la viole (Thomas Robinson). Il est difficile de définir le début de l'ère, étant donné l'absence de changements brusques dans la pensée musicale au cours du XVe siècle. De plus, le processus par lequel la musique a acquis les caractéristiques de la «Renaissance» a été progressif et les musicologues ont placé ses débuts dès 1300 jusqu'à la fin des années 1470. Des contributions récentes à la recherche musicologique suggèrent cependant que le concept devrait être complètement évité, ou du moins utilisé avec le plus grand soin, en raison des difficultés extrêmes à définir le sens et la périodisation du terme. Le mouvement humaniste italien, découvrant et proliférant l'esthétique de l'art antique romain et grec, a contribué à une revalidation accélérée de la musique au niveau conceptuel, mais son influence directe sur la théorie musicale, la composition et la performance reste suggestive.

Présentation

Style et tendances

RenaissancePar thèmeArchitectureDanseLittératureLa musiquePeinturePhilosophieScienceGuerrePar régionRenaissance italienneRenaissance espagnoleRenaissance du Nord
  • Renaissance anglaise
  • Renaissance française
  • Renaissance allemande
  • Renaissance polonaise

Le recours croissant à l'intervalle du troisième comme consonance est l'une des caractéristiques les plus prononcées de la musique d'art européenne de la première Renaissance (au Moyen Âge, les tiers étaient considérés comme des dissonances: voir intervalle). La polyphonie, utilisée depuis le XIIe siècle, est devenue de plus en plus élaborée avec des voix très indépendantes tout au long du XIVe siècle: le début du XVe siècle a montré une simplification, les voix cherchant souvent à la douceur. Cela était possible en raison d'une gamme vocale considérablement augmentée dans la musique - au Moyen Âge, la gamme étroite rendait nécessaire le croisement fréquent des parties, nécessitant ainsi un plus grand contraste entre elles.

Les caractéristiques modales (par opposition à tonales) de la musique de la Renaissance ont commencé à se dégrader vers la fin de la période avec l'utilisation accrue des mouvements de racine des quintes. Depuis, cela est devenu l'une des caractéristiques déterminantes de la tonalité.

Genres

Les principales formes liturgiques qui ont perduré tout au long de la période de la Renaissance ont été les messes et les motets, avec d'autres développements vers la fin, d'autant plus que les compositeurs de musique sacrée ont commencé à adopter des formes profanes (comme le madrigal) pour leurs propres créations.

Les genres sacrés communs étaient la messe, le motet, la madrigale spirituale et le laude.

Pendant la période, la musique profane a eu une distribution de plus en plus large, avec une grande variété de formes, mais il faut être prudent en supposant une explosion de variété: depuis que l'impression a rendu la musique plus largement disponible, beaucoup plus a survécu de cette époque que de la précédente L'époque médiévale, et probablement un riche magasin de musique populaire de la fin du Moyen Âge est irrémédiablement perdue. La musique profane comprenait des chansons pour une ou plusieurs voix, des formes telles que la frottola, la chanson et le madrigal.

Les genres vocaux profanes comprenaient le madrigal, la frottola, la caccia, la chanson sous plusieurs formes (rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique créée), le canzonetta, le villancico, la villanella, la villotta et la chanson de luth. Des formes mixtes telles que le motet-chanson et le motet profane sont également apparues.

La musique purement instrumentale comprenait de la musique de consort pour flûte à bec ou viole et d'autres instruments, et des danses pour divers ensembles. Les genres communs étaient le toccata, le prélude, le ricercar, le canzona et l'intabulation (intavolatura, intabulierung). Les ensembles instrumentaux pour danses pourraient jouer une basse danse (ou bassedanza), une pavane, une galliard, une allemande ou une courante.

Vers la fin de la période, on voit les premiers précurseurs dramatiques de l'opéra comme la monodie, la comédie madrigale et l'intermédio.

Théorie et notation

Selon Margaret Bent (1998), "la notation de la Renaissance est sous-normative selon nos normes; lorsqu'elle est traduite sous une forme moderne, elle acquiert un poids normatif qui sur-spécifie et déforme son ouverture d'origine."

Kyrie Ockeghem, "Au travail suis", extrait

Les compositions de la Renaissance n'étaient notées que dans des parties individuelles; les scores étaient extrêmement rares et les barres de mesure n'étaient pas utilisées. Les valeurs des notes étaient généralement plus élevées que celles utilisées aujourd'hui; l'unité de battement principale était la demi-fibre, ou note entière. Comme cela avait été le cas depuis l'Ars Nova (voir Musique médiévale), il pouvait y en avoir deux ou trois pour chaque breve (une note à double entier), ce qui peut être considéré comme équivalent à la «mesure» moderne, bien que c'était en soi une valeur de note et une mesure ne l'est pas. La situation peut être considérée de cette façon: c'est la même chose que la règle selon laquelle dans la musique moderne une noire peut égaler soit deux croches ou trois, qui seraient écrites comme un "triolet". Par le même calcul, il pourrait y avoir deux ou trois de la note la plus petite, la "minim", (équivalente à la "demi-note" moderne) à chaque demi-brève. Ces différentes permutations étaient appelées "tempus parfait / imparfait" au niveau de la relation brève-semi-fibre, "prolation parfaite / imparfaite" au niveau de la semi-fibre-minim, et existaient dans toutes les combinaisons possibles entre elles. Trois contre un était appelé «parfait» et deux contre un «imparfait». Il existait également des règles selon lesquelles les notes individuelles pouvaient être réduites de moitié ou doublées de valeur ("imparfaites" ou "modifiées", respectivement) lorsqu'elles étaient précédées ou suivies par d'autres notes. Les notes à tête noire (telles que les noires) se sont produites moins souvent. Ce développement de la notation mensurale blanche peut être le résultat de l'utilisation accrue du papier (plutôt que du vélin), car le papier plus faible était moins capable de résister aux rayures nécessaires pour remplir les têtes de notes solides; notation de

Les accidents n'étaient pas toujours précisés, un peu comme dans certaines notations de doigté (tablatures) aujourd'hui. Cependant, les musiciens de la Renaissance auraient été hautement qualifiés dans le contrepoint dyadique et possédaient ainsi cette information et d'autres nécessaires pour lire une partition, "ce que la notation moderne requiert des accidents aurait alors été parfaitement apparent sans notation pour un chanteur versé dans le contrepoint." Un chanteur interpréterait sa partie en imaginant des formules cadentielles avec d'autres parties à l'esprit, et lorsqu'il chanterait ensemble, les musiciens éviteraient les octaves et les quintes parallèles ou modifieraient leurs parties cadentielles à la lumière des décisions d'autres musiciens (Bent, 1998).

C'est à travers des tablatures contemporaines pour divers instruments pincés que nous avons obtenu beaucoup d'informations sur les accidents qui ont été exécutés par les praticiens originaux.

Pour des informations sur des théoriciens spécifiques, voir Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius et Pietro Cerone.

Musique de la première Renaissance (1400-1467)

L'École bourguignonne des compositeurs, dirigée par Guillaume Dufay, a démontré les caractéristiques de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance (voir Musique médiévale). Ce groupe a progressivement abandonné les dispositifs complexes d'isorythme et de syncope extrême de la fin de la période médiévale, ce qui a donné un style plus limpide et fluide. Ce que leur musique a "perdu" dans la complexité rythmique, cependant, il a gagné en vitalité rythmique, comme un "entraînement à la cadence" est devenu une caractéristique importante vers le milieu du siècle.

Musique de la Renaissance moyenne (1467-1534)

Vers la fin du XVe siècle, la musique sacrée polyphonique (comme en témoignent les masses de Johannes Ockeghem et Jacob Obrecht) était redevenue plus complexe, d'une manière qui peut peut-être être considérée comme étant en corrélation avec les détails étonnants de la peinture à la temps. Ockeghem, en particulier, aimait le canon, à la fois contrapuntique et mensural. Il a composé une masse dont toutes les parties dérivent canoniquement d'une même ligne musicale.

Ce fut dans les premières décennies du siècle suivant que la musique ressentit dans un tactus (pensez à la signature temporelle moderne) de deux demi-fibres-à-un-breve a commencé à être aussi commun que celui avec trois semi-fibres-à-un-breve, comme cela avait prévalu avant cette époque.

Au début du XVIe siècle, il y a une autre tendance à la simplification, comme on peut le voir dans une certaine mesure dans le travail de Josquin des Prez et de ses contemporains à l'école franco-flamande, puis plus tard dans celui de GP Palestrina, qui réagissait partiellement à les restrictions du Concile de Trente, qui décourageaient la polyphonie excessivement complexe comme empêchant la compréhension du texte. Les Franco-Flemmings du début du XVIe siècle se sont éloignés des systèmes complexes du jeu canonique et autre jeu masculin de la génération d'Ockeghem, tendant vers des points d'imitation et des sections en duo ou en trio dans une texture globale qui a atteint cinq et six voix. Ils ont également commencé, avant même les réformes tridentines, à insérer des passages d'homophonie toujours plus longs, à souligner des textes ou des points d'articulation importants. Palestrina, d'autre part, est venu cultiver un style de contrepoint à écoulement libre dans une texture épaisse et riche au sein de laquelle la consonance suivait la dissonance presque battement par battement et les suspensions régnaient sur la journée (voir contrepoint). À l'heure actuelle, le tactus était généralement de deux demi-fibres par brève, trois par brève étant utilisées pour les effets spéciaux et les sections climatiques; c'était un renversement presque exact de la technique en vigueur un siècle auparavant.

Musique de la fin de la Renaissance (1534-1600)

À Venise, d'environ 1534 à environ 1600, un impressionnant style polychoral s'est développé, qui a donné à l'Europe l'une des plus grandes et des plus sonores musiques composées jusque-là, avec plusieurs chœurs de chanteurs, cuivres et cordes dans différents emplacements spatiaux de la Basilique San Marco di Venezia (voir École vénitienne). Ces multiples révolutions se sont répandues en Europe au cours des prochaines décennies, commençant en Allemagne et se déplaçant ensuite en Espagne, en France et en Angleterre un peu plus tard, marquant le début de ce que nous connaissons aujourd'hui comme l'ère musicale baroque.

L'école romaine était un groupe de compositeurs de musique à prédominance religieuse, à Rome, couvrant la fin de la Renaissance aux premières époques baroques. Beaucoup de compositeurs avaient un lien direct avec le Vatican et la chapelle papale, bien qu'ils aient travaillé dans plusieurs églises; stylistiquement, ils contrastent souvent avec l'École vénitienne des compositeurs, un mouvement simultané qui était beaucoup plus progressiste. Le compositeur de loin le plus célèbre de l'école romaine est de loin Giovanni Pierluigi da Palestrina, dont le nom est associé depuis quatre cents ans à une perfection polyphonique douce, claire et claire.

La floraison brève mais intense du madrigal musical en Angleterre, principalement de 1588 à 1627, avec les compositeurs qui les ont produits, est connue sous le nom de English Madrigal School. Les madrigaux anglais étaient a cappella, principalement de style léger, et commençaient généralement par des copies ou des traductions directes de modèles italiens. La plupart étaient pour trois à six voix.

Musica reservata est un terme faisant référence à un style ou à une pratique de la performance dans une musique vocale a cappella de ce dernier, principalement en Italie et dans le sud de l'Allemagne, impliquant raffinement, exclusivité et expression émotionnelle intense du texte chanté.

En outre, de nombreux compositeurs ont observé une division dans leurs propres œuvres entre une prima pratica (musique polyphonique de la Renaissance) et un seconda pratica (musique dans le nouveau style) pendant la première partie du XVIIe siècle.

Maniérisme

À la fin du XVIe siècle, à la fin de la Renaissance, un style extrêmement maniériste se développe. Dans la musique profane, en particulier dans le madrigal, il y avait une tendance à la complexité et même au chromaticisme extrême (comme en témoignent les madrigaux de Luzzaschi, Marenzio et Gesualdo). Le terme «maniérisme» dérive de l'histoire de l'art.

Transition vers le baroque

À partir de Florence, il y avait une tentative de faire revivre les formes dramatiques et musicales de la Grèce antique, par le biais de la monodie, une forme de musique déclamée sur un simple accompagnement; un contraste plus extrême avec le style polyphonique précédent serait difficile à trouver; c'était aussi, au moins au début, une tendance séculaire. Ces musiciens étaient connus sous le nom de Camerata florentine.

Nous avons déjà noté certains des développements musicaux qui ont contribué à inaugurer le baroque, mais pour plus d'explications sur cette transition, voir polychorale, concertato, monodie, madrigal et opéra.

Compositeurs renommés de la Renaissance

  • Josquin des Prez (1440-1521)
  • Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
  • Thomas Morley (1557-1603)
  • Thomas Weelkes (1575-1623)
  • Andrea Gabrieli (1520-1586)
  • Carlo Gesualdo (1560-1613)
  • Luca Marenzio (1553-1599)
  • Girolamo Diruta (1554-1610)
  • Thomas Robinson (1560-1609)
  • Arnold de Lantins (1420-1432)

Les références

  • Bukofzer, Manfred F. Etudes en musique médiévale et Renaissance. NY: Norton, 1950. ISBN 0-393-00241-1
  • Gleason, Harold et Warren Becker. Musique au Moyen Âge et à la Renaissance (La littérature musicale décrit la série I). Bloomington, IN: Frangipani Press, 1986.
  • Henry, Derrick. Guide de l'auditeur sur la musique médiévale et de la Renaissance. NY: Facts on File, 1983. ISBN 0-871-96751-0
  • Judd, Cristle Collins (éd.). Structures tonales de la musique ancienne. New York: Garland Publishing, 1998. ISBN 0-815-32388-3
  • Knighton, Tess et David Fallows. Compagnon de musique médiévale et Renaissance. NY: Schirmer Books, Maxwell Macmillan Intl., 1992. ISBN 0-028-71221-8
  • Reese, Gustav. La musique à la Renaissance. New York: W.W. Norton, 1954. ISBN 0-393-09530-4

Liens externes

Tous les liens ont été récupérés le 27 juillet 2019.

  • Guide des instruments médiévaux et de la Renaissance - descriptions, photos et sons
  • "Ici d'un dimanche matin"
  • Pantagruel - Un ensemble Renaissance Musicke
  • Le site Web Waits - Renaissance Civic Bands of Europe
  • Fondation Orpheon, Vienne, Autriche

Voir la vidéo: La musique de la renaissance (Août 2020).

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