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Basse figurée

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Basse figurée, ou pur-sang, est une notation musicale entière utilisée pour indiquer les intervalles, les accords et les tons non accordés, par rapport à une note de basse. Le bar figuré est étroitement associé à basse continue, un accompagnement utilisé dans presque tous les genres de musique à l'époque baroque. La basse figurée crée un partenariat musical entre la basse, les accords et la mélodie où ces entités sont composées pour coexister dans un partenariat harmonieux et coopératif. Dans un tel partenariat, il y a un donner et prendre avec succès avec des lignes mélodiques pour s'adapter aux accords et à la basse.

Pour les compositeurs de la période baroque, la musique n'était pas principalement un exercice d'interaction compositionnelle, mais possédait plutôt des fondements spirituels et religieux profonds. Johann Sebastian Bach a proposé que, "Le seul et dernier but de la basse figurée ne devrait être rien d'autre que la gloire de Dieu et la recréation de l'esprit. Là où cet objet n'est pas gardé en vue, il ne peut y avoir de vraie musique mais seulement un grattage infernal et brailler. " Bach a été grandement influencé par l'affirmation de Martin Luther selon laquelle la musique était «un don de Dieu, pas un don humain». Le concept de Luther de la musique comme une forme de louange au Tout-Puissant, "un sermon dans le son", pourrait être le credo personnel de Bach en ce qui concerne son art.

Histoire

Basse figurée du XVIe siècle

Les origines de la pratique du basso continuo sont quelque peu floues. Les accompagnements d'orgue improvisés pour les œuvres chorales étaient courants à la fin du XVIe siècle, et les parties d'orgue séparées ne montrant qu'une ligne de basse remontent à au moins 1587. Au milieu du XVIe siècle, certains compositeurs d'églises italiennes ont commencé à écrire des œuvres polychorales. Ces pièces, pour deux chœurs ou plus, ont été créées en reconnaissance d'occasions particulièrement festives, ou bien pour profiter de certaines propriétés architecturales des bâtiments dans lesquels elles ont été jouées. Avec huit parties ou plus à suivre dans la performance, les œuvres de style polychoral nécessitaient une sorte d'accompagnement instrumental. Ils étaient également connus sous le nom de cori spezzati, car les chœurs étaient structurés en parties musicales indépendantes ou imbriquées, et peuvent parfois aussi avoir été placés dans des endroits physiquement différents.

Basse figurée du XVIIe siècle

Au XVIIe siècle, les accords devenaient plus importants à l'époque baroque en raison d'un nouveau stylisme dans la musique où l'importance des lignes mélodiques des âges médiévaux et de la Renaissance cédait le pas à la polyphonie et à l'importance de la basse pour devenir la base de la harmonie. Il est important de noter que l'idée d'autoriser structurellement deux chorales simultanées ou plus à être indépendantes ne se serait ou ne serait certainement pas produite s'il n'y avait pas déjà eu une pratique d'accompagnement choral à l'église. Les documents financiers et administratifs indiquent que la présence d'organes dans les églises remonte au XVe siècle. Bien que leur utilisation précise ne soit pas connue, il va de soi que c'était dans une certaine mesure en collaboration avec les chanteurs. En effet, il existe de nombreux récits à la première personne des services religieux des XVe et XVIe siècles qui impliquent un accompagnement d'orgue dans certaines parties de la liturgie, tout en indiquant que a cappella-seulement la pratique du Vatican Cappella Sistina était quelque peu inhabituel. Au début du XVIe siècle, il semble que l'accompagnement par orgue, au moins dans les petites églises, était monnaie courante, et les commentateurs de l'époque déploraient à l'occasion la baisse de la qualité des chœurs d'église. Encore plus révélateur, de nombreux manuscrits, en particulier du milieu du siècle et plus tard, comportent des accompagnements d'orgue écrits. C'est cette dernière observation qui mène directement aux fondements de la pratique continue, dans une observation quelque peu similaire appelée basso seguente ou "basse suivante".

Oeuvres polychorales

Les accompagnements écrits se retrouvent le plus souvent dans les premières œuvres polychorales (celles composées, évidemment, avant le début du style concerté et de ses lignes instrumentales explicites), et consistent généralement en une réduction complète (à ce que l'on appellera plus tard le "grand bâton" ) d'une partie de choeur. En plus de cela, cependant, pour les parties de la musique pendant lesquelles ce chœur s'est reposé a été présentée une seule ligne composée de la note la plus basse chantée à un moment donné, qui pourrait être dans n'importe quelle partie vocale. Même dans les premières œuvres concertées des Gabrieli (Andrea et Giovanni), Monteverdi et d'autres, la partie la plus basse, celle que les interprètes modernes appellent familièrement "continuo", est en fait un basso seguente, bien que légèrement différent, car avec des parties instrumentales séparées, la note la plus basse du moment est souvent inférieur à tout être chanté.

Basso sequente

La première instance connue connue d'un basso seguente était un livre d'introits et d'alléluies par le Placido Falconio vénitien de 1575. Ce qui est connu comme continuo "figuré", qui comporte également une ligne de basse qui en raison de sa nature structurelle peut différer du plus bas note dans les parties supérieures, développée au cours du prochain quart de siècle. Le compositeur Lodovico Viadana est souvent crédité de la première publication d'un tel continuo, dans une collection de 1602 de motets qui, selon son propre récit, avait été initialement écrite en 1594. Le continuo de Viadana, cependant, ne comprenait pas réellement de chiffres. La première partie existante avec des signes tranchants et plats au-dessus du personnel est un motet de Giovanni Croce, également de 1594.

Basse figurée profane

Les basses figurées se sont développées simultanément dans la musique profane; des compositeurs madrigaux tels qu'Emilio de 'Cavalieri et Luzzasco Luzzaschi ont commencé à la fin du XVIe siècle à écrire explicitement des œuvres pour un soliste avec accompagnement, suivant une pratique déjà établie de réaliser des madrigaux à plusieurs voix de cette façon, et répondant également à l'influence croissante de certains tribunaux des chanteurs individuels particulièrement populaires. Cette tendance à la texture solo avec accompagnement dans la musique vocale profane a culminé dans le genre de la monodie, tout comme dans la musique vocale sacrée, elle a abouti au concerto sacré pour diverses forces, y compris peu de voix et même des voix solo. L'utilisation de chiffres pour indiquer les sonorités d'accompagnement a commencé avec les premiers opéras, composés par Cavalieri et Giulio Caccini.

Ligne de basse indépendante

Ces nouveaux genres, tout comme celui polychoral probablement, étaient en effet rendus possibles par l'existence d'une ligne de basse semi ou totalement indépendante. À son tour, la ligne de basse séparée, avec des chiffres ajoutés ci-dessus pour indiquer d'autres notes d'accord, est rapidement devenue "fonctionnelle", car les sonorités sont devenues des "harmonies" (voir harmonie et tonalité), et la musique est devenue perçue en termes de mélodie. soutenu par des progressions d'accords, plutôt que des lignes imbriquées, tout aussi importantes qu'en polyphonie. La basse figurée faisait donc partie intégrante du développement du baroque, par extension du «classique», et par extension de la plupart des styles musicaux ultérieurs.

De nombreux compositeurs et théoriciens du XVIe et du XVIIe siècle ont écrit des guides pratiques pour réaliser la basse figurée, notamment Gregor Aichinger, Georg Philipp Telemann, C.P.E. Bach et Michael Praetorius.

Basso continuo

Les parties de basse continue, presque universelles à l'époque baroque (1600-1750), étaient, comme leur nom l'indique, jouées en continu tout au long d'une pièce, fournissant la structure harmonique de la musique. Le mot est souvent abrégé en continuo, et les instrumentistes jouant le rôle de continuo, s'il y en a plusieurs, sont appelés groupe continuo.

La composition du groupe continuo est souvent laissée à la discrétion des interprètes, et la pratique a énormément varié au cours de la période baroque. Il faut inclure au moins un instrument capable de jouer des accords, comme un clavecin, un orgue, un luth, un théorbe, une guitare ou une harpe. De plus, n'importe quel nombre d'instruments qui jouent dans le registre des basses peut être inclus, comme le violoncelle, la contrebasse, la basse, la viole de gambe ou le basson. La combinaison la plus courante, au moins dans les spectacles modernes, est le clavecin et le violoncelle pour les œuvres instrumentales et les œuvres vocales profanes, comme les opéras, et l'orgue pour la musique sacrée. Très rarement, cependant, à l'époque baroque, le compositeur a demandé spécifiquement un certain instrument (ou instruments) pour jouer le continuo. De plus, la simple composition de certaines œuvres semble nécessiter certains types d'instruments (par exemple, le Stabat Mater de Vivaldi semble exiger d'être joué sur un orgue, et non sur un clavecin).

Le clavier (ou tout autre instrument d'accord) se rend compte une partie continue en jouant, en plus des notes de basse indiquées, des notes supérieures pour compléter des accords, déterminées à l'avance ou improvisées dans la performance. Le joueur peut également «imiter» la soprano (qui est le nom de l'instrument solo ou du chanteur) et élaborer des thèmes dans la ligne musicale soprano. La notation figurée des basses, décrite ci-dessous, est un guide, mais les interprètes sont censés utiliser leur jugement musical et les autres instruments ou voix comme guide. Les éditions modernes de musique fournissent généralement une partie de clavier réalisée, entièrement écrite pour le joueur, éliminant le besoin d'improvisation. Avec l'augmentation de la performance historiquement informée, cependant, le nombre d'interprètes qui improvisent leurs pièces, comme l'auraient fait les joueurs baroques, a augmenté.

Le basse continue, bien qu'élément structurel et identificateur essentiel de la période baroque, a continué à être utilisé dans de nombreuses œuvres, en particulier les œuvres chorales sacrées, de la période classique (jusqu'à environ 1800). Un exemple est C.P.E. Concerto en ré mineur de Bach pour cordes de flûte et basse continue. Les exemples de son utilisation au XIXe siècle sont plus rares, mais ils existent: les messes d'Anton Bruckner, Beethoven et Franz Schubert, par exemple, ont un rôle de basse continue pour un organiste.

Notation de basse figurée

Une partie notée avec une basse figurée se compose d'une ligne de basse notée avec des notes sur une portée musicale plus des numéros ajoutés et des accidents sous la portée pour indiquer à quels intervalles au-dessus des notes de basse doivent être jouées, et donc quelles inversions dont les accords doivent être joué. La phrase tasto solo indique que seule la ligne de basse (sans accords supérieurs) doit être jouée pendant une courte période, généralement jusqu'à ce que la figure suivante soit rencontrée.

Les compositeurs n'étaient pas cohérents dans les usages décrits ci-dessous. Surtout au XVIIe siècle, les chiffres étaient omis chaque fois que le compositeur pensait que l'accord était évident. Les premiers compositeurs tels que Claudio Monteverdi ont souvent spécifié l'octave en utilisant des intervalles composés tels que 10, 11 et 15.

Nombres

Les nombres indiquent le nombre de pas d'échelle au-dessus de la ligne de basse donnée où une note doit être jouée. Par exemple:

Ici, la note de basse est un do, et les nombres quatre et six indiquent que les notes une quatrième et une sixième au-dessus devraient être jouées, c'est-à-dire un fa et un A. En d'autres termes, la deuxième inversion d'un accord majeur en fa est à jouer.

Dans les cas où les nombres trois ou cinq seraient normalement indiqués, ceux-ci sont généralement (mais pas toujours) omis, en raison de la fréquence de ces intervalles. Par exemple:

Dans cette séquence, la première note n'a pas de numéro qui l'accompagne - les trois et les cinq ont été omis. Cela signifie que les notes un tiers ci-dessus et un cinquième ci-dessus doivent être joués - en d'autres termes, un accord de position racine. La note suivante a un six, ce qui indique qu'une note une sixième au-dessus devrait être jouée; les trois ont été omis - en d'autres termes, cet accord est en première inversion. La troisième note n'est accompagnée que de sept; ici, comme dans la première note, les trois et les cinq ont été omis - le sept indique que l'accord est un septième accord. La séquence entière équivaut à:

bien que l'interprète puisse choisir lui-même l'octave dans laquelle jouer les notes et les élaborera souvent d'une manière plutôt que de jouer uniquement des accords, en fonction du tempo et de la texture de la musique.

Parfois, d'autres nombres sont omis: un deux seul ou 42 indiquent 642, par exemple.

Parfois, le numéro de basse figuré change, mais la note de basse elle-même ne change pas. Dans ces cas, les nouveaux chiffres sont écrits à l'endroit où ils doivent apparaître dans la barre. Dans l'exemple suivant, la ligne supérieure est censée être un instrument mélodique et est donnée simplement pour indiquer le rythme (elle ne fait pas partie de la basse figurée elle-même):

Lorsque la note de basse change mais que les notes de l'accord au-dessus doivent être maintenues, une ligne est tracée à côté de la ou des figures pour l'indiquer:

La ligne s'étend aussi longtemps que l'accord doit être tenu.

Accidents

Lorsqu'un accidentel est affiché seul sans numéro, il s'applique à la note un tiers au-dessus de la note la plus basse; le plus souvent, c'est le tiers de l'accord. Sinon, si un nombre est affiché, l'accidentel affecte ledit intervalle. Par exemple, ceci:

est équivalent à ceci:

Parfois, l'accidentel est placé après le numéro plutôt qu'avant.

Alternativement, une croix placée à côté d'un nombre indique que la hauteur de cette note doit être augmentée d'un demi-ton (de sorte que si c'est normalement un plat, il devient naturel, et s'il est normalement naturel, il devient aigu). Une autre façon d'indiquer cela est de tracer une barre à travers le nombre lui-même. Les trois notations suivantes indiquent donc toutes la même chose:

Lorsque des objets tranchants ou plats sont utilisés avec des signatures clés, ils peuvent avoir une signification légèrement différente, en particulier dans la musique du XVIIe siècle. Un tranchant peut être utilisé pour annuler un bémol dans la signature de clé, ou vice versa, au lieu d'un signe naturel.

Exemple de basse figurée en contexte. Pris à partir de Beschränkt, ihr Weisen, par J.S. Bach (R. 47/69).

Utilisations contemporaines

Il est également parfois utilisé par les musiciens classiques comme un raccourci pour indiquer les accords (bien qu'il ne soit généralement pas utilisé dans les compositions musicales modernes, à l'exception des pièces néo-baroques). Une forme de basse figurée est utilisée dans la notation de la musique d'accordéon; une autre forme simplifiée est utilisée pour noter les accords de guitare. Aujourd'hui, l'utilisation la plus courante de la notation de basse figurée est d'indiquer l'inversion, cependant, souvent sans la notation de portée, en utilisant des noms de note de lettre suivis de la figure, par exemple la note de basse C dans 64 basses figurées serait écrite . Les symboles peuvent également être utilisés avec des chiffres romains pour analyser l'harmonie fonctionnelle, un usage appelé figuré romain; voir le symbole de l'accord.

Les références

  • Hunt, Michael F. Amorce de basse figurée. Publié par l'auteur, 1979. OCLC 6479519
  • Renwick, William. Le manuscrit de Langloz: l'improvisation fugale à travers la basse figurée. Oxford: Oxford University Press, 2001. ISBN 0-198-16729-6
  • Williams, Peter F. Accompagnement de basse figuré. Édimbourg: University Press, 1970. ISBN 0-852-24054-6

Liens externes

Tous les liens ont été récupérés le 7 avril 2017.

  • Symbologie de la basse figurée par Robert Kelley
  • Accords que les degrés d'échelle (majeurs) (dans la basse) peuvent impliquer de Robert Kelley

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