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Musique classique

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Musique classique est un terme avec trois significations distinctes:

  • La tradition européenne de la musique associée à la haute culture, distincte des formes populaires ou folkloriques (y compris les œuvres de cette tradition dans les pays non européens).
  • Cette tradition ainsi que des traditions non européennes similaires.
  • Une étape particulière dans le développement de la tradition européenne de la musique d'art, centrée à la fin du XVIIIe siècle.

Contexte de la musique classique

Cette musique évoque les traditions classiques, se concentre sur les styles formels, invite à la déconstruction technique et détaillée et à la critique, et exige une attention concentrée de l'auditeur. Il est écrit à l'aide d'une notation formelle et une œuvre de musique classique est généralement définie par la version notée, plutôt que par une exécution particulière de celle-ci. Cette musique est associée et souvent comparée aux beaux-arts et à la haute culture, conduisant parfois à des accusations de hauteur et d'exclusivité à l'encontre de ses passionnés. Néanmoins, de nombreuses pièces "classiques" étaient la musique populaire de leur temps et sont restées populaires à ce jour. Le goût et l'appréciation du public pour la musique formelle de ce type sont souvent décrits comme ayant diminué au cours de la dernière partie du XXe siècle et au cours du millénaire actuel, en particulier aux États-Unis et au Royaume-Uni, bien qu'il continue de prospérer ailleurs dans le monde.1 Certes, cette période a vu la musique classique prendre du retard sur l'immense succès commercial de la musique populaire.2

Le terme musique classique n'apparaît qu'au début du XIXe siècle, dans une tentative de «canoniser» la période de Bach à Beethoven comme une ère musicale parallèle à l'âge d'or de la sculpture, de l'architecture et de l'art de l'antiquité classique (dont aucune musique a survécu directement). La première référence à la "musique classique" enregistrée par le Oxford English Dictionary remonte à environ 1836. Depuis ce temps, le terme est venu dans le langage courant pour signifier le contraire de la musique populaire.

Chronologie

La mort de Socrate (1787)

Selon une école de pensée, les œuvres musicales sont mieux comprises dans le contexte de leur place dans l'histoire musicale; pour les adeptes de cette démarche, cela est essentiel à la pleine jouissance de ces œuvres. Il existe un système largement accepté de division de l'histoire de la composition de musique classique en périodes stylistiques. Selon ce système, les principales divisions temporelles sont:

  • Musique ancienne - la musique généralement antérieure à l'an 476, époque approximative de la chute de l'Empire romain. La plupart des musiques existantes de cette période proviennent de la Grèce antique.
  • Médiévale, généralement avant 1450. Le chant monophonique, également appelé chant de plain-chant ou chant grégorien, était la forme dominante jusqu'à environ 1100. La musique polyphonique (multi-voix) s'est développée à partir du chant monophonique à la fin du Moyen Âge et jusqu'à la Renaissance.
  • Renaissance, vers 1450 - 1600, caractérisée par une plus grande utilisation de l'instrumentation, de multiples lignes mélodiques et par l'utilisation des premiers instruments de basse.
  • Baroque, vers 1600 - 1750, caractérisé par l'utilisation d'un contrepoint complexe, plutôt que modal, et la popularité croissante de la musique pour clavier (clavecin et orgue à tuyaux).
  • Classique, vers 1750 - 1820, une époque importante qui a établi de nombreuses normes de composition, de présentation et de style. De même, l'ère classique est marquée par la disparition du clavecin et du clavicorde au profit du piano, qui deviendra dès lors l'instrument prédominant pour l'interprétation et la composition au clavier.
  • Romantique, 1820 - 1910, période qui codifie la pratique, élargit le rôle de la musique dans la vie culturelle et crée des institutions d'enseignement, de représentation et de conservation des œuvres musicales. Caractérisé par une attention accrue à la mélodie et au rythme, ainsi qu'à des éléments expressifs et émotionnels, parallèlement au romantisme dans d'autres formes d'art.
  • Musique impressionniste, 1910-1920, une période où les compositeurs français ainsi que les artistes produisent de l'art qui va à l'encontre des modes traditionnels de l'art et de la musique allemands. Caractérisé par l'arythmie, l'échelle pentatonique, les phrases longues et fluides et l'utilisation des cuivres comme éléments principaux dans la création de la texture, plutôt que des instruments à cordes.
  • Moderne, 1905-1985, une période qui a représenté une crise des valeurs de la musique classique et de son rôle dans la vie intellectuelle, et l'extension de la théorie et de la technique. Certains théoriciens, comme Arnold Schoenberg dans son essai «Brahms le progressiste», insistent sur le fait que le modernisme représente une progression logique des tendances de composition du XIXe siècle; d'autres soutiennent le point de vue opposé, que le modernisme représente le rejet ou la négation de la méthode de composition classique.
  • XXe siècle, généralement utilisé pour décrire la grande variété de styles post-romantiques composés tout au long de l'année 1999, qui comprend les styles de composition romantiques, modernes et postmodernes tardifs.
  • Le terme musique contemporaine est parfois utilisé pour décrire la musique composée de la fin du XXe siècle à nos jours.
  • Le préfixe néo est généralement utilisé pour décrire une composition du XXe siècle ou contemporaine écrite dans le style d'une période antérieure, telle que classique, romantique ou moderne. Stravinsky's Pulcinella, par exemple, est une composition néoclassique.

Les dates sont des généralisations, car les périodes se chevauchent. Certaines autorités subdivisent davantage les périodes par date ou style. Cependant, il convient de noter que ces catégories sont quelque peu arbitraires; l'utilisation du contrepoint et de la fugue, qui est considérée comme caractéristique de l'époque baroque, a été poursuivie par Mozart, qui est généralement classé comme typique de la période classique, par Beethoven qui est souvent décrit comme chevauchant les périodes classique et romantique, et Brahms, qui est classé comme romantique.

La musique classique comme "musique de l'ère classique"

Dans l'histoire de la musique, une signification différente du terme musique classique est souvent utilisé: il désigne la musique d'une période de l'histoire musicale couvrant environ Carl Philipp Emanuel Bach à Beethoven - environ 1730 - 1820. Lorsqu'il est utilisé dans ce sens, le terme est généralement en majuscule pour éviter toute confusion.

La nature de la musique classique

Saviez-vous que la musique classique est considérée écrit tradition musicale, préservée dans la notation musicale

La musique classique est considérée écrit tradition musicale, préservée dans la notation musicale, au lieu d'être transmise oralement, par cœur, ou dans des enregistrements de performances particulières. Bien qu'il existe des différences entre des performances particulières d'une œuvre classique, un morceau de musique classique est généralement considéré comme transcendant toute interprétation de celle-ci. L'utilisation de la notation musicale est une méthode efficace pour transmettre de la musique classique, car la musique écrite contient les instructions techniques pour exécuter l'œuvre. La partition écrite, cependant, ne contient généralement pas d'instructions explicites sur la façon d'interpréter la pièce en termes de production ou de performance, en dehors des directions pour la dynamique, le tempo et l'expression (dans une certaine mesure); cela est laissé à la discrétion des interprètes, qui sont guidés par leur expérience personnelle et leur éducation musicale, leur connaissance de l'idiome de l'œuvre et le corpus accumulé de pratiques de performance historiques. Cependant, l'improvisation a déjà joué un rôle important dans la musique classique. Un vestige de cette tradition d'improvisation dans la musique classique peut être entendu dans la cadence, un passage que l'on trouve principalement dans les concertos et les œuvres solo, conçu pour permettre aux interprètes qualifiés d'exposer une partie de leur talent. Traditionnellement, cela a été improvisé par l'interprète; cependant le plus souvent, il est écrit pour (ou parfois par) l'interprète au préalable.

Les concerts de musique classique ont souvent lieu dans une atmosphère relativement solennelle, et le public est généralement censé rester calme et éviter de distraire la concentration des autres membres du public. Les interprètes s'habillent souvent de façon formelle, une pratique qui est considérée comme un geste de respect pour la musique et le public, et les artistes ne s'engagent pas normalement dans une implication directe ou des plaisanteries occasionnelles avec le public. Des lectures privées de musique de chambre peuvent avoir lieu à des occasions domestiques plus informelles.

Sa transmission écrite, ainsi que la vénération accordée à certaines œuvres classiques, ont conduit à espérer que les interprètes interpréteront une œuvre d'une manière qui concrétise en détail les intentions originales du compositeur. En effet, les écarts par rapport aux instructions du compositeur sont parfois condamnés comme des manquements éthiques absolus. Au cours du XIXe siècle, les détails que les compositeurs ont mis dans leurs partitions ont généralement augmenté. Pourtant, la tendance inverse - l'admiration des interprètes pour de nouvelles «interprétations» de l'œuvre du compositeur - peut être observée, et il n'est pas inconnu pour un compositeur de louer un interprète pour avoir réalisé une meilleure réalisation de l'intention originale du compositeur que le compositeur n'a pu le faire. imaginer. Ainsi, les interprètes de musique classique obtiennent souvent une réputation très élevée pour leur musicalité, même s'ils ne se composent pas eux-mêmes.

Les compositeurs classiques aspirent souvent à imprégner leur musique d'une relation très complexe entre son contenu affectif (émotionnel) et les moyens intellectuels par lesquels elle est réalisée. Beaucoup des œuvres les plus estimées de la musique classique utilisent le développement musical, le processus par lequel un germe musical, une idée ou motif se répète dans des contextes différents, ou sous une forme modifiée, de sorte que l'esprit de l'auditeur compare consciemment ou inconsciemment les différentes versions. Les genres classiques de la forme sonate et de la fugue emploient des formes rigoureuses de développement musical.

Une autre conséquence de la primauté de la partition écrite du compositeur est que improvisation joue un rôle relativement mineur dans la musique classique, contrastant fortement avec les traditions comme le jazz, où l'improvisation est centrale. L'improvisation dans la performance de la musique classique était beaucoup plus courante à l'époque baroque qu'aux XIXe et XXe siècles, et récemment la performance de cette musique par des musiciens classiques modernes a été enrichie par une renaissance des anciennes pratiques d'improvisation. Pendant la période classique, Mozart et Beethoven improvisaient parfois les cadences de leurs concertos pour piano (et encourageaient ainsi les autres à le faire), mais ils fournissaient également des cadences écrites à l'usage d'autres solistes.

Musique d'art occidental est un terme utilisé comme synonyme de musique classique.

Complexité

Les œuvres classiques présentent souvent une grande complexité musicale grâce à l'utilisation par le compositeur du développement, de la modulation (changement de clés), de la variation plutôt que de la répétition exacte, des phrases musicales qui ne sont pas de même longueur, contrepoint, polyphonie et harmonie sophistiquée.

En outre, de nombreuses œuvres classiques longues (de 30 minutes à trois heures) sont construites à partir d'une hiérarchie d'unités plus petites: à savoir les phrases, les périodes, les sections et les mouvements. L'analyse musicale cherche souvent à distinguer et à expliquer ces niveaux structurels.

Contenu émotionnel

Détail d'un portrait de Ludwig van Beethoven en 1815 par Willibrord Joseph Mähler.

Comme pour de nombreuses formes de beaux-arts, la musique classique aspire souvent à communiquer une qualité d'émotion transcendante, qui exprime quelque chose d'universel sur la condition humaine. Bien que l'expression émotionnelle ne soit pas une propriété exclusive de la musique classique, cette exploration plus profonde de l'émotion permet sans doute à la meilleure musique classique d'atteindre ce qui a été appelé le "sublime" dans l'art. De nombreux exemples souvent cités à l'appui de cela, par exemple la mise en scène par Beethoven du poème de Friedrich Schiller, Ode à la joie dans sa 9e symphonie, qui est souvent jouée à des occasions de libération nationale ou de célébration, comme dans la célèbre œuvre de Leonard Bernstein pour marquer la démolition du mur de Berlin, et la pratique japonaise de l'exécuter pour observer le Nouvel An.

Cependant, certains compositeurs, comme Iannis Xenakis, soutiennent que l'effet émotionnel de la musique sur les auditeurs est arbitraire et que la complexité objective ou le contenu informationnel de la pièce est donc primordial.

Instruments

La musique classique et populaire se distingue souvent par son choix d'instruments. Les instruments utilisés dans la pratique courante de la musique classique ont été pour la plupart inventés avant le milieu du XIXe siècle (souvent, beaucoup plus tôt), et codifiés aux XVIIIe et XIXe siècles. Ils se composent des instruments trouvés dans un orchestre, ainsi que de quelques autres instruments solo (comme le piano, le clavecin et l'orgue). Les instruments électriques tels que la guitare électrique et le violon électrique jouent un rôle de premier plan dans la musique populaire, mais bien sûr, ne jouent aucun rôle dans la musique classique avant le XXe siècle, et n'apparaissent qu'occasionnellement dans la musique classique des XXe et XXIe siècles. Les musiciens classiques et populaires ont expérimenté au cours des dernières décennies avec des instruments électroniques tels que le synthétiseur, des techniques électriques et numériques telles que l'utilisation de sons échantillonnés ou générés par ordinateur, et les sons d'instruments d'autres cultures comme le gamelan.

Aucun des instruments de basse n'existait jusqu'à la Renaissance. Dans la musique médiévale, les instruments sont divisés en deux catégories: les instruments bruyants à utiliser à l'extérieur ou à l'église et les instruments plus silencieux à utiliser à l'intérieur.

De nombreux instruments qui sont aujourd'hui associés à la musique populaire ont joué un rôle important dans la musique classique ancienne, comme les cornemuses, les vihuelas, les vielles à roue et certains instruments à vent. D'un autre côté, la guitare acoustique, par exemple, qui était principalement associée à la musique populaire, a pris de l'importance dans la musique classique au cours des XIXe et XXe siècles.

Enfin, alors que le tempérament égal est progressivement devenu le tempérament musical dominant au cours du XIXe siècle, différents tempéraments historiques sont souvent utilisés pour la musique des périodes antérieures. Par exemple, la musique de la Renaissance anglaise est souvent jouée avec un tempérament moyen.

Durabilité

Un critère utilisé pour distinguer les œuvres du canon musical classique est celui de la durabilité culturelle. Cependant, ce n'est pas une marque distinctive de toute la musique classique: alors que les œuvres de JS Bach (1685 - 1750) continuent d'être largement jouées et très appréciées, la musique de nombreux contemporains de Bach est considérée comme médiocre, et est rarement jouée, même si elle est est carrément dans le domaine "classique". Dans une certaine mesure, la notion d'une telle durabilité est une prophétie auto-réalisatrice (et donc une erreur), simplement en raison du fait que la musique classique est étudiée et préservée à des niveaux beaucoup plus élevés que les autres musiques.

Influences entre musique classique et musique populaire

La musique classique a souvent incorporé des éléments ou même repris des éléments de la musique populaire. Les exemples incluent la musique occasionnelle comme l'utilisation par Brahms de chansons à boire des élèves dans son Ouverture du Festival académique, genres illustrés par Kurt Weill L'Opéra Threepenny, et l'influence du jazz sur les compositeurs du début et du milieu du XXe siècle, dont Maurice Ravel, comme en témoigne le mouvement intitulé "Blues" dans sa sonate pour violon et piano. Certains compositeurs classiques postmodernes et postminimalistes reconnaissent une dette envers la musique populaire.

Il existe également de nombreux exemples d’influence qui s’écoulent dans l’autre sens, y compris des chansons populaires basées sur la musique classique, Canon de Pachelbel dans la culture populaire a été mis depuis les années 1970, et le phénomène de croisement musical, où les musiciens classiques ont réussi dans l'arène de la musique populaire (un exemple notable est la série d'enregistrements "Hooked on Classics" faite par le Royal Philharmonic Orchestra au début des années 1980). En fait, on pourrait faire valoir que le genre entier de musique de film pourrait également être considéré comme faisant partie de cette influence, car il apporte la musique orchestrale à un vaste public de cinéphiles qui, autrement, ne choisiraient jamais d'écouter une telle musique (quoique pour le inconsciemment).

Musique classique et musique folklorique

Les compositeurs de musique classique ont souvent eu recours à la musique folklorique (musique créée par des musiciens non instruits, souvent d'une tradition purement orale). Certains l'ont fait avec une idéologie nationaliste explicite, d'autres ont simplement extrait la musique folklorique pour du matériel thématique.

Utilisations commerciales de la musique classique

Certains produits de base de la musique classique sont souvent utilisés à des fins commerciales (c'est-à-dire soit dans la publicité, soit dans les bandes sonores de films destinés au divertissement). Dans les publicités télévisées, plusieurs passages orchestraux bruyants et rythmiques sont devenus des clichés, en particulier l'ouverture O Fortuna de Carl Orff Carmina Burana; d'autres exemples dans la même veine sont les Dies Irae du Verdi Requiemet des extraits d'Aaron Copland Rodeo.

De même, les films reviennent souvent à des bribes classiques et clichées de musique classique pour représenter le raffinement ou l'opulence: certaines des pièces les plus souvent entendues dans cette catégorie incluent Mozart. Eine kleine Nachtmusik et Vivaldi Les quatre saisons.

Musique classique dans l'éducation

Portrait inachevé de Mozart, 1782

Tout au long de l'histoire, les parents ont souvent veillé à ce que leurs enfants reçoivent une formation en musique classique dès leur plus jeune âge. Une expérience précoce de la musique fournit la base d'une étude plus approfondie plus tard. Il est extrêmement rare que les artistes interprètes ou exécutants atteignent un niveau professionnel sur un instrument classique s'ils n'ont pas commencé à l'étudier, ou du moins un instrument similaire, dès l'enfance. Certains parents suivent des cours de musique pour leurs enfants pour des raisons sociales ou dans le but d'inculquer un sens utile de l'autodiscipline. Certains considèrent qu'un certain degré de connaissance des œuvres importantes de la musique classique fait partie d'une bonne éducation générale. Les années 1990 ont marqué l'émergence aux États-Unis de documents de recherche et de livres populaires sur le soi-disant «effet Mozart»: une petite élévation temporaire des scores à certains tests suite à l'écoute de Mozart. La version vulgarisée de la théorie controversée a été exprimée succinctement par un New York Times chroniqueur musical: "les chercheurs ont déterminé que l'écoute de Mozart vous rend réellement plus intelligent." Les promoteurs ont commercialisé des CD prétendument induire l'effet. La Floride a adopté une loi obligeant les tout-petits dans les écoles publiques à écouter de la musique classique tous les jours, et en 1998, le gouverneur de Géorgie a prévu un budget de 105000 $ par an pour fournir à chaque enfant né en Géorgie une cassette ou un CD de musique classique. L'un des chercheurs d'origine a déclaré: "Je ne pense pas que cela puisse nuire. Je suis tout à fait d'accorder aux enfants de merveilleuses expériences culturelles. Mais je pense que l'argent pourrait être mieux dépensé pour des programmes d'éducation musicale."

Quelques-uns des maîtres compositeurs de l'ère classique

Portrait de Joseph Haydn par Ludwig Guttenbrunn, ca. 1770
  • Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)
  • Johann Sebastian Bach (1685-1750)
  • Ludwig van Beethoven (1770-1827)
  • Vincenzo Bellini (1801-1835)
  • Luigi Boccherini (1743-1805)
  • John Field (1782-1837)
  • Christoph Willibald Gluck (1714-1787)
  • Joseph Haydn (1732-1809)
  • Johann Hummel (1778-1837)
  • Saverio Mercadante (1795-1870)
  • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
  • Gioacchino Antonio Rossini (1792-1868)
  • Carl Stamitz (1745-1801)

Remarques

  1. ↑ Le discours de Julian Lloyd Webber au Forum économique mondial de Davos, en Suisse, a déclaré que «le public en baisse, les coupures gouvernementales, les ventes de CD désastreuses, les sponsors se retirant des arts, moins d'enfants apprenant les instruments de musique et un manque total d'intérêt des médias en général , à moins que des violonistes bimbo semi-nus… ne soient impliqués… C'est en contraste frappant avec la musique en Extrême-Orient, où il y a toujours un grand nombre d'enfants qui apprennent des instruments, des ventes de CD classiques saines, des médias qui s'intéressent vraiment au classique la musique et, surtout, les salles de concert qui regorgent de jeunes en raison directe de cet intérêt médiatique. "
  2. ↑ David Laing, Soundscapes.info volume 2 (juillet 1999) L'importance économique de la musique dans l'Union européenne comprend une comparaison du nombre de concerts, de salles et de musiciens employés dans la musique classique et populaire. Récupéré le 26 mai 2008.

Les références

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Liens externes

Tous les liens ont été récupérés le 24 février 2017.

  • Classic Cat - télécharger la base de données pour la musique classique
  • ArkivMusic.com - trouvez tous les CD et DVD classiques en version imprimée.
  • Classical.net - revue, base de données et ressource de liste de diffusion
  • Archives classiques - musique, artistes, compositeurs, fichiers MIDI
  • MusicWeb International - Critiques de CD, articles de compositeurs, chronologies, critiques de concerts et de livres
  • Magazine Music and Vision - magazine quotidien sur la musique classique européenne, illustré de photos, de sons et de vidéos
  • Forums et informations sur la musique classique - articles, blogs et discussions sur la musique classique
  • Musique classique dans les films, classée par compositeur
  • Glossaire de musique Naxos
  • All Classical Online Radio - Écoutez de la musique classique en ligne.

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