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John Milton Cage, Jr. (5 septembre 1912 - 12 août 1992) était un compositeur américain. Il est peut-être surtout connu pour sa composition de 1952 4'33", dont les trois mouvements sont exécutés sans qu'une seule note ne soit jouée. Il a été un pionnier de la musique fortuite, de l'utilisation non standard des instruments de musique et de la musique électronique. Bien qu'il reste une figure controversée, il est généralement considéré comme l'un des compositeurs les plus importants de son époque.

Cage était un collaborateur de longue date et un partenaire romantique du chorégraphe Merce Cunningham. En plus de sa composition, Cage était également philosophe, écrivain, graveur et passionné de mycologue amateur et collectionneur de champignons. Avec les nombreux intérêts de John Cage, il n'a jamais dévié de servir les objectifs spécifiques de la nouvelle musique ainsi que les objectifs plus larges de l'indépendance de l'humanité. Il a amené le public à penser à lui-même et aux autres dans un échange altruiste de nouvelles idées musicales.

Il dédaigne particulièrement la notion européenne de musique et la «vogue de la profondeur» et proclame une fois dans un discours que «Beethoven avait tort» et que la logique traditionnelle de composition des «récits harmoniques orientés vers un but» telle que pratiquée par Beethoven, Schubert, Schumann, Brahms, Liszt, Dvorak, etc., étaient antipodes pour la nature.

En renforçant cette affirmation particulière, il déclare: «L'écriture de la musique est une affirmation de la vie, non pas une tentative de mettre de l'ordre dans le chaos ni de suggérer une amélioration de la création, mais simplement une façon de s'éveiller à une vie même que nous vivons. , qui est tellement excellent une fois que l'on a mis son esprit et son désir de côté et qu'on l'a laissé agir de lui-même. "

Jeunesse et travail

Cage est né à Los Angeles et est diplômé de Los Angeles High School. Il était d'origine anglaise et écossaise. Son père inventeur lui a dit: «si quelqu'un dit« ne peut pas », cela vous montre quoi faire.»1 Cage a décrit sa mère comme une femme avec «un sens de la société» qui n'était «jamais heureuse».

La famille de Cage était épiscopale. Cage lui-même envisageait de devenir ministre ou écrivain. Il a dit que même avant de choisir une voie musicale, il avait un désir flou de créer. Enfant, il prit des cours de piano, mais ne se consacra pleinement à la musique que bien plus tard. Il y a quelques indices de sa position anti-établissement ultérieure dans sa jeunesse; par exemple, alors qu'il fréquentait le Collège Pomona, il a été choqué de trouver un grand nombre d'étudiants dans la bibliothèque lisant le même texte d'ensemble. Il s'est rebellé et "est allé dans les piles et a lu le premier livre écrit par un auteur dont le nom commençait par Z. J'ai reçu la note la plus élevée de la classe. Cela m'a convaincu que l'institution ne fonctionnait pas correctement".1

Cage a abandonné dans sa deuxième année de collège et a navigué en Europe, où il est resté pendant 18 mois, travaillant pendant une partie de ce temps comme apprenti architecte. C'est là qu'il a écrit ses premiers morceaux de musique, mais en les entendant, il a constaté qu'il ne les aimait pas et les a laissés à son retour en Amérique.

Apprentissage

John Cage est retourné en Californie en 1931, son enthousiasme pour l'Amérique étant ravivé, dit-il, en lisant Walt Whitman's Des brins d'herbe. Là, il a pris des leçons de composition auprès de Richard Buhlig, Henry Cowell à la New School for Social Research, Adolph Weiss et, célèbre, Arnold Schoenberg qu'il "adorait littéralement". Schoenberg a dit à Cage qu'il le tuteurerait gratuitement à condition qu'il "consacre sa vie à la musique". Cage accepte volontiers, mais arrête les leçons après deux ans. Cage a écrit plus tard dans sa conférence Indétermination: "Après avoir étudié avec lui pendant deux ans, Schoenberg a déclaré:" Pour écrire de la musique, vous devez avoir un sentiment d'harmonie. " Je lui ai expliqué que je n'avais aucun sentiment d'harmonie. Il a ensuite dit que je rencontrerais toujours un obstacle, que ce serait comme si je venais à un mur à travers lequel je ne pouvais pas passer. J'ai dit: «Dans ce cas, je vais consacrer ma vie à me battre la tête contre ce mur "." Schoenberg a décrit plus tard Cage comme n'étant «pas un compositeur, mais un inventeur de génie».

Cage a rapidement commencé à expérimenter des instruments à percussion, ainsi que des instruments non traditionnels et des appareils de production de sons, et a progressivement utilisé le rythme comme base de sa musique au lieu de l'harmonie. Plus généralement, il a structuré les pièces en fonction de la durée des sections. Ces approches devaient quelque chose à la musique d'Anton Webern et surtout d'Erik Satie, l'un de ses compositeurs préférés.

En 1935, Cage épouse l'artiste Xenia Andreyevna Kashevaroff.

Les années d'école de Cornouailles

À la fin des années 1930, Cage est allé à la Cornish School of the Arts de Seattle, dans l'État de Washington. Il y trouve du travail d'accompagnateur pour les danseurs. On lui a demandé d'écrire de la musique pour accompagner une danse de Syvilla Fort appelée Bacchanale. Il voulait écrire un morceau de percussion, mais il n'y avait pas de fosse sur le lieu de la performance pour un ensemble de percussions et il devait écrire pour le piano. Tout en travaillant sur la pièce, Cage a expérimenté en plaçant une plaque métallique au-dessus des cordes de l'instrument. Il aimait le son résultant, ce qui l'a finalement amené à concevoir le piano préparé, dans lequel des vis, des boulons, des bandes de caoutchouc et d'autres objets sont placés entre les cordes du piano pour changer le caractère de l'instrument. Cette création a été influencée par son ancien professeur Henry Cowell, qui a écrit des pièces obligeant les interprètes à pincer les cordes du piano avec leurs doigts et à utiliser des diapositives en métal.

le Sonates et interludes de 1946-48 sont généralement considérés comme le plus grand travail de Cage pour piano préparé. Pierre Boulez était l'un des admirateurs de l'œuvre, et il a organisé sa première européenne. Les deux compositeurs ont entamé une correspondance qui a pris fin lorsqu'ils étaient en désaccord sur l'utilisation du hasard par Cage dans la composition. Pour Boulez, il s'agissait d'une abdication inacceptable du contrôle du compositeur sur son art. Cependant, pour Cage, cela devait être une étape tout à fait nécessaire dans son évolution esthétique ultérieure.

Une pièce autobiographique

Un autre travail de piano préparé important est La nuit périlleuse (1943). "Cage l'a toujours appelé sa pièce" autobiographique ", et son biographe, David Revill l'a associé de manière convaincante aux traumatismes associés à la réorientation sexuelle de Cage, aboutissant au divorce de sa femme (1945) et au début d'un partenariat homosexuel monogame avec Merce Cunningham, qui a duré jusqu'à la fin de sa vie. Cette pièce était la tentative de Cage d'exprimer, et ainsi de soulager, les angoisses qu'il éprouvait dans sa vie privée "3.

C'est également à Cornish que Cage a fondé un orchestre de percussions pour lequel il a écrit son Première construction (en métal) en 1939, une pièce qui utilise des percussions métalliques pour faire une musique forte et rythmée. Il a également écrit Paysage imaginaire n ° 1 cette année-là, peut-être la première composition à utiliser des tourne-disques comme instruments. Il se composait d'un quatuor utilisant "un piano en sourdine, une cymbale suspendue et deux platines à vitesse variable sur lesquelles des enregistrements de tests radio à fréquence unique étaient joués à diverses vitesses stables et glissant également entre les vitesses dans des glissandos de type sirène"3. À cette époque, il a rencontré le danseur et chorégraphe Merce Cunningham, qui est devenu un collaborateur créatif majeur et son partenaire de toujours après la séparation de Cage de son épouse de l'époque, Xenia. (Le couple a divorcé en 1945 ou 1946.)

À la fin de 1942 et au début de 1943, Cage composa son "" Ten-Piece Percussion Ensemble "dont les membres comprenaient sa femme d'alors Xenia et Merce Cunningham"3. Cette pièce a été réalisée au New York Museum of Modern Art, le 7 février 1943. "Elle a été largement écrite dans la presse, y compris une photo diffusée en LA VIE magazine, et lui a valu sa première renommée "3.

Influences asiatiques

À la Cornish School, Cage a rencontré des idées qui ont influencé son travail ultérieur. Du musicien indien Gita Sarabhai, il a entendu le dicton de Thomas Mace: «Le but de la musique est de calmer et de calmer l'esprit, le rendant ainsi sensible aux influences divines. Cage a développé un intérêt pour l'esthétique hindoue à travers les écrits du mystique du XIXe siècle Sri Ramakrishna, de l'historienne de l'art indien du XXe siècle Anada K.Coomaraswamy et, à travers Coomaraswamy, du mystique chrétien médiéval Meister Eckhart. Ces influences sont détectables dans des pièces telles que Les saisons et le Quatuor à cordes en quatre parties, dont les formes anti-directionnelles et harmoniquement statiques suggèrent les cycles de la nature.

Le plus influent, cependant, a été la découverte par Cage à la fin des années 1940 du taoïsme puis du bouddhisme zen, par l'érudit japonais Daisetz Teitaro Suzuki. En 1950, Cage a reçu une copie du I Ching du compositeur Christian Wolff. Plutôt que de dire la bonne aventure, Cage l'a utilisé pour prendre des décisions de composition. La première œuvre Cage composée en lançant des pièces de monnaie était intitulée, de manière appropriée, Musique des changements"3. L'expression réduite et statique des œuvres d'inspiration indienne s'estompa alors que Cage visait à dissoudre complètement la personnalité, l'intention et l'expression via le hasard. Un autre travail important de cette époque est la Concerto pour piano préparé et orchestre de chambre de 1951.

John Cage a mis en pratique l'influence du bouddhisme zen à travers la musique. Il a décrit sa musique comme une "pièce sans but", mais "cette pièce est une affirmation de la vie - non pas une tentative de mettre de l'ordre dans le chaos, ni de suggérer des améliorations dans la création, mais simplement de se réveiller à la vie même que nous vivons, ce qui est si excellent une fois que l'on a l'esprit, que l'on désire et qu'on le laisse agir de son propre gré. "2 D'où vient son dicton préféré nichi nichi kore kōnichi ou, chaque jour est un bon jour.

Chance

Après avoir quitté la Cornish School, Cage a rejoint la faculté de la Chicago School of Design pendant un certain temps, puis a déménagé à New York. Il a continué à écrire de la musique et à établir de nouveaux contacts musicaux. Il a fait plusieurs tournées en Amérique avec la Merce Cunningham Dance Company et a également fait une tournée en Europe avec le pianiste expérimental David Tudor, son autre plus proche collaborateur pendant cette période.

Après qu'il lui a été présenté par Christian Wolff, Cage a commencé à utiliser le I Ching («Livre des changements» chinois) dans la composition de sa musique afin de fournir un cadre à ses usages du hasard. Il l'a utilisé, par exemple, dans le Musique des changements pour piano solo en 1951, pour déterminer quelles notes doivent être utilisées et quand elles doivent sonner. Un autre morceau que Cage a écrit se composait de lignes, s'étalant horizontalement et verticalement sur la page de longueur différente. L'artiste doit déterminer la vitesse, la hauteur, la clef et la longueur de chaque note en fonction de ce qu'il a perçu la ligne à instruire. Il a également utilisé le hasard d'autres manières; Paysage imaginaire n ° 4 (1951) est écrit pour 12 récepteurs radio. Chaque radio a deux joueurs; l'un pour contrôler la fréquence sur laquelle la radio est réglée, l'autre pour contrôler le niveau du volume. Cage a écrit des instructions très précises dans la partition sur la façon dont les interprètes devraient régler leurs radios et les changer au fil du temps, mais il ne pouvait pas contrôler le son réel qui en sortait, ce qui dépendait des émissions de radio diffusées à cet endroit et à ce moment précis de performance. Cette pièce marque un passage de partitions qui avaient été simplement composées avec des méthodes indéterminées à celles qui étaient également performantes indéterminées. Des pièces telles que Variations La série a paradoxalement placé une grande responsabilité entre les mains de l'artiste dans les exigences de la musique en termes de réalisation de procédures indéterminées (aléatoires). Appliqué à l'infrastructure souvent conservatrice de l'orchestre symphonique, dans des pièces telles que Concert pour piano et orchestre (1958) et Atlas Eclipticalis (1961), les exigences radicales de Cage se sont traduites par des réactions d'intervenants nettement hostiles.

Techniques du hasard

La nature détaillée de l'utilisation compositionnelle du hasard par Cage reste mal comprise. Généralement, Cage est passé des aspects les plus larges d'une nouvelle composition à des aspects extrêmement spécifiques. Pour toutes ces décisions, il a déterminé le nombre de possibilités pour chaque aspect et a ensuite utilisé la chance pour sélectionner une possibilité particulière: le nombre de possibilités serait lié à un ou à une série de nombres correspondant aux soixante-quatre hexagrammes du I Ching. Par exemple, Cage peut choisir un emplacement musical parmi trois possibilités. La possibilité A pourrait être liée à I Ching numéros 1-24, possibilité B à 25-48 et possibilité C à 49-64. Le choix effectif d'un I Ching nombre, comme décrit dans le livre lui-même lorsqu'il est utilisé comme un oracle, a été accompli en lançant des pièces de monnaie ou (plus tard) en exécutant un programme informatique, initialement l'impression d'un conçu à l'Université de l'Illinois à Urbana-Champaign sous la supervision de Lejaren Hiller et plus tard celui conçu par l'assistant de Cage, le compositeur Andrew Culver. Là, à l'Université de l'Illinois à Urbana-Champaign, Cage a écrit une "performance multimédia appelée HPSCHD (informatique pour" clavecin "). Programmation de l'ordinateur pour faire I Ching tirages au sort pour lui permettant à Cage de prendre suffisamment de décisions aléatoires - plus d'un million - pour garder sept claviéristes, 52 magnétophones jouant des «morceaux» générés par ordinateur au hasard dans 52 systèmes de réglage différents, 52 projecteurs de film et 64 projecteurs de diapositives (montrant des scènes des voyages spatiaux, certains de vieux films de science-fiction) constamment occupés pendant quatre heures et demie, le 16 mai 1969 "3. Cage a appelé la génération d'un I Ching numéro un opération fortuite.… Une composition finie entraînait généralement de nombreuses opérations fortuites. Avant "HPSCHD", il a composé Atlas eclipticalis (1961). Cette pièce a été écrite pour "86 parties instrumentales pouvant être jouées en tout ou en partie, pour n'importe quelle durée et dans n'importe quelle combinaison du soliste à l'orchestre complet. Le I Ching a décidé quelles portées portaient quelles clefs et comment elles devaient être affectées aux divers instruments. La performance était un fiasco. L'orchestre s'est rebellé avec le public… certains étaient tellement enragés qu'ils ont jeté leurs microphones par terre et ont tamponné dessus "3. Ce ne sont que quelques exemples de «Chance Music» que Cage a compris et les réactions qu'il a reçues. La plupart des interprètes ont souvent estimé que la musique «fortuite» de Cage était si détaillée qu'il n'y avait rien à laisser au hasard (ou à improviser). Les interprètes se sentaient plus comme des esclaves de la musique que comme des interprètes. Cage a ensuite déclaré: "À mon avis, c'est le privilège du compositeur de déterminer ses œuvres, dans les moindres détails"3.

Montagne Noire, 4'33"

En 1948, Cage rejoint la faculté du Black Mountain College, où il travaille régulièrement sur des collaborations avec Merce Cunningham. À cette époque, il a visité la chambre anéchoïque de l'Université Harvard. (Une chambre anéchoïque est une pièce conçue de telle manière que les murs, le plafond et le sol absorbent tous les sons émis dans la pièce, plutôt que de les renvoyer en échos. Ils sont également généralement insonorisés.) La cage est entrée dans la chambre en attendant d'entendre silence, mais comme il l'écrira plus tard, il "entendit deux sons, un haut et un bas. Quand je les décrivis à l'ingénieur responsable, il m'informa que le haut était mon système nerveux en fonctionnement, le bas mon sang en circulation." Cage était allé dans un endroit où il s'attendait à ce qu'il n'y ait pas de son, mais le son était néanmoins perceptible. Il a déclaré "jusqu'à ce que je meure, il y aura des sons. Et ils continueront après ma mort. Il ne faut pas avoir peur de l'avenir de la musique". La prise de conscience telle qu'il la vit de l'impossibilité du silence conduit à la "composition" de sa pièce la plus notoire, 4'33".

Le saviez-vous?
Le compositeur du XXe siècle John Cage est surtout connu pour sa composition 4'33 ", dont les trois mouvements sont exécutés sans qu'une seule note ne soit jouée

Cage a affirmé à plusieurs reprises qu'il avait composé 4'33" en petites unités de durées rythmiques silencieuses qui, sommées, égalaient la durée du titre. Cage a suggéré qu'il aurait pu faire une erreur en plus. Certains ont émis l'hypothèse que le titre de l'ouvrage fait référence au zéro absolu, car 4'33 "exprimé en secondes est de 273 secondes, et moins 273 degrés est le zéro absolu sur l'échelle Celsius; il n'y a cependant aucune preuve que cette relation soit quelque chose plus qu'une coïncidence.

Une autre influence citée pour cette pièce est venue du domaine des arts visuels. L'ami de Cage et collègue de Black Mountain, l'artiste Robert Rauschenberg, avait, tout en travaillant au collège, produit une série de blanc peintures. Il s'agissait de toiles vierges, l'idée étant qu'elles changeaient en fonction des différentes conditions d'éclairage des pièces dans lesquelles elles étaient suspendues, ainsi que des ombres des gens dans la pièce. Ces peintures ont inspiré Cage à utiliser une idée similaire, utilisant le «silence» de la pièce comme une «toile vierge auditive» pour refléter le flux dynamique des sons ambiants entourant chaque performance.

Les précédents de l'utilisation du silence

Cage n'a pas été le premier compositeur à écrire une pièce composée uniquement de silence. Un précédent est «In futurum», un mouvement du Fünf Pittoresken pour piano du compositeur tchèque Erwin Schulhoff. Écrit en 1919, la composition méticuleusement notée de Schulhoff est entièrement composée de restes. 3 Cage, cependant, ignorait presque certainement le travail de Schulhoff. Un autre exemple antérieur est celui d'Alphonse Allais Marche funèbre pour les obsèques d'un homme sourd, écrit en 1897, et composé de neuf mesures vierges. La composition d'Allais est sans doute plus proche dans l'esprit du travail de Cage; Allais était un associé d'Erik Satie, et étant donné l'admiration profonde de Cage pour Satie, la possibilité que Cage ait été inspiré par le Marche funèbre est tentant. Cependant, selon Cage lui-même, il ignorait la composition d'Allais à l'époque (bien qu'il ait entendu parler d'un livre du XIXe siècle complètement vierge).4

La première des trois mouvements 4'33" a été donné par David Tudor le 29 août 1952 dans le cadre d'un récital de musique contemporaine pour piano. Le public l'a vu s'asseoir au piano et, pour marquer le début de la pièce, fermer le couvercle du clavier. Quelque temps plus tard, il l'ouvrit brièvement, pour marquer la fin du premier mouvement. Ce processus a été répété pour les deuxième et troisième mouvements.5 La pièce avait passé sans qu'une note ne soit jouée - en fait sans que Tudor (ou quiconque) n'ait émis un son délibéré dans le cadre de la pièce. Ce n'est qu'à ce moment-là que le public a pu reconnaître ce sur quoi Cage avait insisté: «Le silence n'existe pas. Il se passe toujours quelque chose qui fait du bruit. "

Richard Kostelanetz suggère que le fait même que Tudor, un homme connu pour défendre la musique expérimentale, était l'interprète, et que Cage, un homme connu pour avoir introduit un bruit non musical inattendu dans son travail, était le compositeur, aurait conduit le public à attendez-vous à des sons inattendus. Quiconque les écouterait attentivement les aurait entendus: alors que personne ne produit du son délibérément, il y aura néanmoins des sons dans la salle de concert (tout comme il y avait des sons dans la chambre anéchoïque de Harvard). Ce sont ces sons, imprévisibles et non intentionnels, qui doivent être considérés comme constituant la musique de cette pièce. La pièce reste controversée parmi ceux qui continuent à la prendre au sérieux et est considérée comme contestant la définition même de la musique.

Bien qu'elle puisse remettre en cause la définition de la musique, elle ne remet pas en cause toute définition de la composition - la première partition a été écrite sur du papier manuscrit conventionnel en utilisant une notation graphique similaire à celle utilisée dans Musique des changements, les trois mouvements étant précisément marqués pour refléter leurs longueurs individuelles. La version la plus célèbre de la partition est la soi-disant Tacet édition, qui comporte trois mouvements tous sur une seule page, chacun étiqueté tacet-le terme musical traditionnel pour quand un musicien ne joue pas pour un mouvement. Le score ne prévoit aucune limite de temps pour aucune des parties. Ni la pièce entière ni la durée de la première représentation n'ont été décidées à l'aide d'opérations aléatoires. La pièce peut avoir n'importe quelle durée et donc n'importe quel titre, mais est collée avec la célèbre durée et le titre de la première représentation (c'est-à-dire le mouvement I: 30 "; - le mouvement II: 2'23"; - le mouvement III: 1'40 ";). Cage lui-même l'appelle sa «pièce silencieuse» et écrit: «J'ai passé de nombreuses heures agréables dans les bois à diriger des performances de ma pièce silencieuse… pour un public de moi-même, car elles étaient beaucoup plus longues que la longueur populaire que j'ai publiée. . Lors d'une représentation… le deuxième mouvement a été extrêmement dramatique, à commencer par les bruits d'un mâle et d'une biche bondissant jusqu'à dix pieds de mon podium rocheux. "6

C'est un problème potentiel si l'on souhaite considérer les sons imprévisibles comme constituant la musique de cette pièce. Cela ressort clairement de l'enregistrement réalisé par Amadinda Percussion Group, dans lequel le groupe se place dans un parc. On entend des chants d'oiseaux, bien sûr, seulement interrompus deux fois à cause des pauses qui suivent chaque partie. Si les sons pendant les parties sont de la musique, alors les sons entre les parties ne le sont pas, et l'enregistrement Amadinda est fidèle à sa source. Cependant, dans une performance, l'auditeur ne serait pas en mesure de distinguer les parties dans les sons, mais uniquement dans les actes du ou des interprètes. À cet égard, les pièces muettes de Cage constituent davantage un théâtre qu'un son.

Les éditeurs de John Cage ont par la suite poursuivi Mike Batt pour avoir créé une piste sur son album, Graffiti classique, avec une minute de silence. Le morceau a été nommé "A One Minute Silence" et crédité à John Cage. Un règlement à l'amiable a été conclu, Batt payant une somme à six chiffres au John Cage Trust.

Happenings and Fluxus

Les cours de composition expérimentale de John Cage de 1957 à 1959 à la New School for Social Research sont devenus légendaires en tant que source américaine de Fluxus, le réseau international d'artistes, compositeurs et designers. La majorité de ses étudiants avaient peu ou pas d'expérience en musique, dont la plupart étaient des artistes. Ses étudiants étaient Jackson Mac Low, Allan Kaprow, Al Hansen, George Brecht, Alice Denham et Dick Higgins, ainsi que les nombreux artistes qu'il a invités à assister à ses cours de manière non officielle. Plusieurs pièces célèbres sont venues de ces classes: George Brecht's Musique de table, et d'Alice Denham 48 secondes.

Conçu en 1952, Pièce de théâtre n ° 1 consistait en la collaboration de Cage avec Merce Cunningham, David Tudor, Robert Rauschenberg et Charles Olson au Black Mountain College où la performance a eu lieu parmi le public. Les "Happenings", tels que définis par Cage, sont des événements théâtraux qui ont abandonné le concept traditionnel de la scène-public et se produisent sans un sens de durée définie; ils sont plutôt laissés au hasard. Ils ont un script minimal, sans intrigue. En fait, un "Happening" est ainsi nommé parce qu'il se produit dans le présent, essayant d'arrêter le concept du temps qui passe. Cage pensait que le théâtre était la voie la plus proche pour intégrer l'art et la vie (réelle). Le terme "Happenings" a été inventé par Allan Kaprow, l'un de ses étudiants, qui devait le définir comme un genre à la fin des années 1950. Cage a rencontré Kaprow lors d'une chasse aux champignons avec George Segal et l'a invité à rejoindre sa classe. En suivant ces développements, Cage a été fortement influencé par le traité fondateur d'Antonin Artaud Le théâtre et son double, et les «événements» de cette période peuvent être considérés comme un précurseur du mouvement Fluxus qui a suivi. En octobre 1960, le studio de Mary Baumeister à Cologne a accueilli un concert conjoint de Cage et du vidéaste Nam June Paik, qui au cours de son `` Étude pour piano '' a coupé la cravate de Cage, puis a lavé les cheveux de son co-interprète avec du shampooing.

Le 9 mai 2006 à la maison de ventes aux enchères Christie's à New York, une œuvre d'art de Robert Rauschenberg intitulée "Cage", dédiée à John Cage, s'est vendue 1 360 000 $, un record pour une pièce de Rauschenberg sur papier.

Travaux ultérieurs

Le travail de Cage des années 1960 présente certaines de ses pièces les plus grandes et les plus ambitieuses, sans parler des pièces socialement utopiques, reflétant l'humeur de l'époque, mais aussi son absorption des écrits de Marshall McLuhan, sur les effets des nouveaux médias, et de R. Buckminster Fuller, sur le pouvoir de la technologie pour promouvoir le changement social. HPSCHD (1969), une œuvre multimédia gargantuesque et de longue durée réalisée en collaboration avec Lejaren Hiller, a incorporé la superposition de masse de sept clavecins jouant des extraits déterminés par hasard des œuvres de Cage, Hiller, et une histoire en pot de classiques canoniques, avec 52 bandes de sons générés par ordinateur, 6 400 diapositives de modèles fournis par la NASA, et montrées à partir de 64 projecteurs de diapositives, avec 40 films cinématographiques. La pièce a été initialement rendue dans une performance de cinq heures à l'Université de l'Illinois en 1969, dans laquelle le public est arrivé après le début de la pièce et est parti avant sa fin, errant librement autour de l'auditorium pendant la période pendant laquelle ils étaient là. Autant de spectacle synesthésique que de «composition», au sens classique du terme, HPSCHD a démontré le souci de Cage de décréter un environnement expérientiel viscéral dans lequel les innombrables complexités des éléments individuels se combinent pour nier la possibilité d'un centre d'intérêt unique et dominant.

Cirques de musique

Deux ans avant cette pièce était la première Musicircus (1967), conçu par Cage et essentiellement une extension des «Happenings» des années 1950. La première Musicircus présentaient plusieurs artistes et groupes dans un grand espace qui devaient tous commencer et arrêter de jouer à deux périodes précises, avec des instructions sur le moment de jouer individuellement ou en groupe au cours de ces deux périodes. Le résultat a été une superposition de masse de nombreuses musiques différentes les unes sur les autres comme déterminé par la distribution fortuite, produisant un événement avec une sensation spécifiquement théâtrale. De nombreux cirques musicaux ont par la suite été détenus et continuent de se produire même après la mort de Cage. Ce concept de cirque devait rester important pour Cage tout au long de sa vie et figurait fortement dans des pièces telles que Roaratorio: un cirque irlandais au réveil des Finnegans (1979) - un rendu à plusieurs niveaux dans le son de son texte Écrire pour la deuxième fois grâce à Finnegans Wake et des enregistrements de musique et de terrain traditionnels réalisés en Irlande.

Au cours des années 1970 et 1980, les compositions de Cage ont pris une variété de formes, de la politique ouvertement politique et polémique Conférence sur la météo (1975 - basé sur les textes de l'auteur naturaliste-anarchiste Henry David Thoreau)7, jusqu'à l'hyper-virtuose - un exemple étant le Freeman Etudes- Livres I et II (1980), composée pour le violoniste Paul Zukofsky. Cage a conçu ce dernier comme une démonstration sociale utile de l'artiste dépassant pratiquement ses propres capacités. Dans leur hyper-virtuosité, ces pièces peuvent être considérées comme un précurseur du mouvement New Complexity.

Europeras

Entre 1987 et 1990, Cage a composé une importante série d'œuvres intitulée Europeras, numérotés de un à cinq. Cage a été invité à composer les deux premières œuvres de l'Opéra de Francfort. Ils déconstruisent la forme lyrique, mais ne sont pas seulement parodiques. Les intrigues, les livrets et les airs (souvent chantés simultanément) ont été assemblés par des méthodes aléatoires à partir d'un large éventail d'opéras conventionnels des XVIIIe et XIXe siècles dont les textes et les partitions étaient du domaine public. Le hasard a également déterminé d'autres aspects, depuis l'éclairage de la scène, les décors, les costumes et les accessoires jusqu'aux actions des chanteurs. Il n'y avait pas de chef d'orchestre; les artistes ont plutôt été guidés par de grandes projections d'une horloge numérique selon des intervalles de temps stricts. Cage est même allé jusqu'à distribuer deux ensembles de livrets distincts au public lors de la première, eux-mêmes extraits des œuvres lyriques précédentes. Étant ouvertement basé sur des travaux antérieurs, le Europeras fournissent l'un des exemples les plus intrigants de Cage défamiliarisant le familier, rendant un nouveau réseau complexe de symboles et de significations se chevauchant à travers les domaines esthétiques conventionnels.

Réémergence de «l'harmonie»

Pourtant, d'autres œuvres, telles que Imitation bon marché (1972), Hymnes et variations (1979), et Litanie pour la baleine (1980) ressemblent aux œuvres moins radicales de sa première carrière. Imitation bon marché, par exemple, était basé sur une réécriture de Satie Socrate, et marqué un retour à la notation conventionnelle. Dans deux groupes de compositions de ses dernières années - Musique pour _____ et la série Number Piece - Cage a tenté de concilier le caractère expérimental et orienté processus de ses compositions matures avec l'idée d'une œuvre ou d'un objet musical. Dans la série Number Piece en particulier, Cage pensait qu'il avait enfin découvert un moyen d'écrire de la musique harmonieuse, qu'il définissait maintenant comme des sons remarqués en même temps.

Une autre œuvre de Cage, Organ² / ASLSP, est joué près de la commune allemande de Halberstadt, dans une interprétation imaginative des directions de Cage pour la pièce. La représentation se fait sur un orgue autonome spécialement construit construit dans l'ancienne église de Saint Burchardi. Il est prévu de prendre un total de 639 ans après avoir commencé à minuit le 5 septembre 2001. La première année et demie de la performance était un silence total, avec le premier accord-G-sharp, B et G-sharp-not jusqu'au 2 février 2003. Puis, en juillet 2004, deux autres Es, à une octave d'intervalle, ont été sonnés et devraient être sonnés plus tard cette année le 5 mai. Mais à 17 h 00. (1600 GMT) le jeudi 4 janvier, le premier accord est passé à un deuxième comprenant A, C et F-sharp et doit être retenu au cours des prochaines années par des poids sur un orgue construit spécialement pour le projet.

Europeras suivantes

Europeras 3 & 4 a été mis en service au printemps 1989 et devait être présenté en première au Festival d'Almeida à Londres l'année suivante et avec une tournée européenne ultérieure. David Revill, dans sa biographie sur John Cage ("The Roaring Silence"), écrit, "Europeras 3 & 4, bien que clairement lié aux deux premiers, et apportant avec eux des fonctionnalités telles que le" Truckera ", stand par rapport à eux comme chambre au grand opéra. " John Cage's Europera 3 a été achevée en 1990. L'instrumentation est la suivante: 6 chanteurs, 2 pianos, 6 joueurs de victrole (chacun exploitant 2 gramophones avec 50 disques), éclairage (72-96 projecteurs). Europera 4 est écrit pour soprano, mezzo-soprano, piano solo, joueur de victrola (avec 6 disques), éclairage (72-96 projecteurs de lumière). Les deux opéras doivent être joués en séquence.

Cage's One11, écrite quelques mois seulement avant sa mort en 1992, est une œuvre silencieuse entièrement composée d'images du jeu de lumière électrique déterminé par hasard. Cage a dit de cette œuvre, dont un film a été réalisé et produit par Henning Lohner, "Bien sûr, le film parlera de l'effet de la lumière dans un espace vide. Mais aucun espace n'est réellement vide et la lumière montrera ce qu'il y a dedans. . Et tout cet espace et toute cette lumière seront contrôlés par des opérations aléatoires. "

Écrits, arts visuels et autres activités

Cage a également été très prolifique en tant qu'écrivain, produisant une série de textes de plus en plus expérimentaux qui ont été largement incorporés dans plusieurs livres publiés au cours de sa vie. Ceux-ci sont Silence (1961), Un an à partir du lundi (1968), M (1973), Mots vides (1979), X (1983) et Anarchie (1988). Dans ces livres, mettant en vedette des écrits allant des essais simples aux entrées de journal intime à l'écriture entièrement expérimentale. Par exemple, il a inventé le mésostique, un type de poème dans lequel Cage «écrivait» à travers des textes tels que celui de Joyce. Finnegans Wake. Cage employed chance methodologies to create texts which were often presented spatially on the page in a striking variety of font sizes, typefaces and layouts- an approach towards creating an increasingly visual dimension to text, perhaps inspired by the experimental poetry of E. E. Cummings and lettrism.

In addition a series of interviews between Cage and the critic Daniel Charles are collected in the book For the Birds (1981), whose title is a reference to one of Cage's favorite sayings, which is typical of his often subtle, self-referential humor: "I am for the birds, not for the cages people put them

Voir la vidéo: John Cage's 4'33" (Août 2020).

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